Vor ein paar Wochen besuchten wir die in Japan geborene und in Berlin lebende Installationskünstlerin, Asako Shiroki. Es war ein trauriger und verregneter Nachmittag in Berlin, aber ein warmes und schönes Gespräch im Schutz von Asakos Schöneberger Atelier - das ich zufälligerweise schon vor eineinhalb Jahren besucht hatte, um Asakos Ehemann zu interviewen, Sanghyeoküber seine konzeptionellen Möbelstücke zu interviewen. An diesem Tag ging es jedoch um Asako, und es war ein Vergnügen, die Geschichte ihrer Arbeit zu hören: vom Schmuck zur Installationskunst, wie sie die traditionelle japanische Holzverarbeitung nach Berlin bringt und wie sie "schöne Missverständnisse" schafft.
Ich war zunächst daran interessiert, die Ursprünge von Asakos Praxis zu erfahren.
"Ich komme ursprünglich aus Tokio, Japan. Ich habe an der Tokioter Nationalen Universität der Künste studiert und nach meinem Abschluss als Assistentin und dann als Dozentin gearbeitet. Insgesamt war ich 14 Jahre lang an der Universität - von der Studentin bis zur Dozentin... Ich wollte einen Grund finden, nicht mehr [dort] zu arbeiten, denn mein Traum war es nicht, Dozentin zu werden."
"Dann bekam ich zum Glück eine Einladung von der Bethanien Künstlerhausdas ist eine Art Pionierprogramm für Künstler. Deshalb bin ich nach Deutschland gekommen... Das Programm war nur für ein Jahr, aber ich wollte nach der Einzelausstellung eine Reaktion auf meine Kunst bekommen, also habe ich beschlossen, länger hier zu bleiben."
In the grid - Bodenfenster. 2014. Holz, Textil. B351 × T234 x H94 cm. Foto von Rebecca Wilton.
Das war vor zehn Jahren, und jetzt sind wir hier. Ich war neugierig, wie sich Asakos Praxis in diesen Jahren entwickelt hat.
"Als Studentin habe ich Schmuck gemacht. Aber dann zweifelte ich daran, warum ich das Objekt an einen Körper binden sollte. Dann habe ich über das Objekt hinaus gedacht und mein Interesse wurde immer größer und ich habe mehr über den Raum nachgedacht. Ich wollte darüber nachdenken, wie der Raum existiert - also habe ich meine Klasse gewechselt. Aber nicht in den Architektur- oder Bildhauerkurs, sondern in den Holzbearbeitungskurs. Das war etwas ganz Besonderes. Ich lernte traditionelle, japanische Tischlertechniken."
"Ich fing an, mit Holz zu arbeiten, aber ich war nicht daran interessiert, Möbel zu bauen, die eine Funktion haben - ich dachte an Bildhauerei oder etwas anderes als Funktionalität. Meine Klassenkameraden haben alle Möbel gemacht. Ich habe nur Skulpturen gemacht, mit speziellen Tischlertechniken. Techniken. Ich wende sie immer noch an, aber ich habe viel mehr Philosophien als Techniken gelernt."
Von Schmuck über Holzbearbeitung bis hin zu Installationen. Ich habe mich gefragt, wie Asako ihre Kunstwerke heute bezeichnen würde.
"Ich möchte meine Arbeit nicht in Kategorien einordnen, also ist sie immer zwischen Architektur, Skulptur, Handwerk und Kunst und vielen Kontexten angesiedelt... Ich wollte Installationen machen, weil ich frei von den Schaukästen sein wollte, in denen die Kunstwerke ausgestellt werden... Wenn man die Schaukästen aufstellt und sie beleuchtet, wird das Kunstwerk plötzlich handeln als "Kunstwerk". Ich habe dabei viele Momente der Frische in den Kunstwerken gesehen, also wollte ich meine Kunstwerke direkt so zeigen, wie ich sie im Prozess gesehen habe."
Dein Fenster ist mein Spiegel. 2019. Holz, Spiegel, Textil, Messing. B540 × T40 x H160 cm. Foto mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.
Ich habe mich gefragt wie Berlin ihre Praxis beeinflusst hat.
"Nachdem ich nach Berlin kam, begann ich, Fragmente von Möbeln zu zitieren. Immer mit etwas, das fehlt oder verloren gegangen ist. Wenn das Publikum meine Kunstwerke sieht, scheinen sie wie Möbel zu sein - aber es ist etwas anderes; wie ein Missverständnis. Ein schönes Missverständnis... Jedes Werk wurde von mir selbst hergestellt. Ich verwende nie fertige Möbel, denn ich möchte von Anfang an verschiedene Richtungen der Funktionalität wählen, wenn ich das Material habe."
"Die physikalischen Prozesse und das Verhältnis von Maschinenarbeit zu Handarbeit unterscheiden sich zwischen der in Europa erlernten Holzbearbeitung und der in Japan erlernten Holzbearbeitung. Wenn ich Maschinen benutze, kann ich größere Arbeiten machen. Die Handwerkzeuge sind wie ein Teil meines Körpers, und wenn ich Handwerkzeuge benutze, kann ich die Arbeit mit meinen Augen sehen - und ich wollte eine Distanz zwischen dem Material und mir schaffen. Die Maschine schafft diesen Abstand und ich kann die Dinge aus der Vogelperspektive sehen. Durch diesen Prozess kann ich viele Dinge lernen."
Welche anderen neuen Verfahren hast du noch erforscht? Ich habe gefragt.
"Letzten Sommer habe ich an einer Residenz in Dänemark teilgenommen. Ich habe eine Arbeit ohne Holzarbeiten gemacht. Ich habe eine neue Arbeit mit Zeichnungen, Videos und Texten ausprobiert... Ich habe versucht, die Menschen zu verstehen, die in dieser Gegend leben. Die Menschen in den nordischen Ländern wollen die Sonne genießen, weil die Sommerzeit so kurz ist und die Winterzeit so lang und dunkel. Also habe ich versucht, das Tageslicht des Hochsommers zu nutzen."
"Über meinem Kopf befand sich ein quadratisches Fenster, und jeden Tag fällt das Sonnenlicht auf meinen Schreibtisch. Also habe ich die Regel aufgestellt, dass ich zeichne, wenn das Sonnenlicht auf den Schreibtisch fällt, und wenn die Wolken kommen, spitze ich den Bleistift. Es ist also ein ziemlich langes Video... Ich habe versucht, ein sehr leichtes Gefühl zu erzeugen. Die Aktion der Zeichnung im Video ist das Hauptkunstwerk, und daneben mache ich vielleicht einen Rahmen für das hier [er zeigt auf Schattenriss-Skizzen, die an der Wand hängen]."
"Ich habe die Menschen vor Ort zu vielen Dingen befragt. Die Leute erklärten mir, dass die blaue Farbe für sie wichtig ist. Ich fragte sie, warum, aber niemand wusste es... Ich ging in die Bibliothek und fand die Geschichte des Färbens in dieser Gegend. Das Blau, auf das sie sich beziehen, ist Indigoblau, eine wichtige Farbe, mit der die Menschen zu Hause Textilien färben können."
"Sie erklärten, dass Indigo, das aus der Erde kommt, in Verbindung mit Kalk aus den Muscheln vor ihnen das Blau auf dem Stoff fixieren kann. Diese Erklärung wurde zu einem schönen Gedicht, das ein größeres Konzept ausdrückte. Wenn sich das Meer und die Erde verbinden, wird es gleich."
Dann erzählte mir Asako von den Gefühlen, die hinter ihren neueren Arbeiten stehen.
"Nach meiner Schwangerschaft, nach der Pandemie, wollte ich meine Mutterschaft zeigen. Ich wollte mein Inneres nach außen zeigen... Es ist zu viel persönliche Arbeit für mich, aber ich dachte, ich sollte es machen."
Ein Zweig mit verschlungenen Passagen. 2021. Holz, Glas, Silberkette, Messing, Leder, Bronzeabguss eines Zweiges, der mir vor die Füße gefallen ist. B470 × T/H variabel cm. Foto von Sanghyeok Lee.
Ich fragte mich, warum sie das Gefühl hatte, es sei "zu viel" persönliche Arbeit für sie.
"Vor [der Pandemie] habe ich versucht, meine Kunstwerke kalt zu gestalten - ohne Temperatur. Nach der Pandemie habe ich versucht, mehr Kunstwerke zu machen, die meine persönlichen Dinge zeigen. Ich dachte, ich sollte mich zeigen, ohne mich zu verstecken... Als ich früher Kunstwerke gemacht habe, versuchte ich, stärker zu sein. Nach der Pandemie, nach der Schwangerschaft, habe ich alles mehr akzeptiert, so wie ich bin. Als Frau, als Mutter, als Mensch. [Jetzt] bin ich freier geworden; ich kann so arbeiten, wie ich bin, ohne zu lügen."
Vielen Dank an Asako.
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Worte von Ewan Waddell.
Fotos von Ewan Waddell und mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.
