Von der Bildhauerei mit Ton über die Herstellung lebensgroßer Kerzen bis hin zum Nachzeichnen ihrer eigenen Form auf riesigen Leinwänden - die Künstlerin Margaret FlatleyDie Methoden der Künstlerin Margaret Flatley sind so vielschichtig und fesselnd wie das Gespräch, das ich letzte Woche bei einem grünen Tee mit ihr führen durfte. In ihrem Kreuzberger Atelier, an einem (wenn ich mich recht erinnere) klassisch nieseligen Berliner Morgen, war Margaret so freundlich, mir ihr Atelier und ihre Gedanken zu zeigen, während wir über ihre Offenheit für neue Methoden, ihre Beziehung zur Fotografie und ihren konzeptionell geprägten Ansatz sprachen.
Zunächst sprachen wir über Margarets Drang, über ihre Wurzeln hinauszugehen.
"Ich bin in Kanada aufgewachsen, habe es aber mit 17 Jahren verlassen, um an die Universität zu gehen, und bin bis heute nicht zurückgekehrt. Ich gehöre der ersten Generation an, die in Kanada geboren wurde, vielleicht war das der Grund, warum ich keine tiefe Verbindung zu dem Land hatte... Seit meiner Jugend sehnte ich mich nach einem Wechsel der Umgebung."
Ich war neugierig, wie sie diesen Umgebungswechsel gefunden hat.
"Ich ging für ein Jahr nach Frankreich... Ich war im Süden Frankreichs, lernte Französisch und studierte Kunstgeschichte. Dort fing alles an, sich zu entwickeln... Ich hatte eine sehr enge Beziehung zu jemandem, der mir bis heute ein enger Freund und Mentor ist. Sie war Akademikerin - damals schrieb sie bereits ihren Doktortitel - und sie ließ mich in ihre Welt eintauchen. Durch sie war ich von allen möglichen Leuten umgeben, die mir eine andere Sichtweise auf das Leben eröffneten. Wie ich ein Leben außerhalb meines bisherigen Lebens führen konnte... Nachdem ich meinen Abschluss in den USA gemacht hatte, zog ich nach New York, um mir so etwas aufzubauen."
Ich fragte mich, was sie dort fand.
"In New York habe ich sofort angefangen, in der Modebranche zu arbeiten. Ich begann in einem Showroom zu arbeiten und wechselte dann schnell zu einer Männermode-Marke. Das geschah innerhalb der ersten dreieinhalb Jahre. Und dann ging ich nach Stockholm und arbeitete für Acne."
Margarets Arbeit ist heute ziemlich weit von der Modewelt entfernt. Mich hat interessiert, was sie weggeführt hat.
"Ich dachte, die Mode wäre eine tolle Möglichkeit, kreativ zu sein und zu arbeiten. Aber es war nicht das Richtige für mich... Ich war auch eher in einer Managementfunktion als im Design, was toll war, aber ich habe nicht selbst etwas geschaffen."
Wir sprachen dann über unsere gemeinsame Verbindung, Yasmin, durch die ich Margaret kennengelernt hatte, als ich ihr gemeinsames Atelier im letzten Sommer für ein Interview über Yasmins faszinierende Arbeit mit Hanfbeton. Margaret und ich sprachen darüber, wie es war, mit Yasmin zusammenzuarbeiten, nachdem sie sich vor all den Jahren in den Acne Studios kennengelernt hatten.
"Yasmin und ich hatten eine sehr fähige Arbeitsbeziehung, in der wir die Bedürfnisse des anderen vorhersehen und dort einspringen konnten, wo wir jeweils Hilfe brauchten. Wir verließen Acne im Abstand von nur ein paar Monaten. Wir wussten nicht was aber wir wollten etwas Eigenes gründen."
Sie haben zwar beschlossen, dass die Modewelt in Stockholm nichts für sie ist, aber die fließende künstlerische Beziehung, die sie in Schweden geschmiedet haben, blieb sehr lebendig, als sie später zusammen nach Berlin zogen.
"Wir waren sehr eng befreundet und teilten uns eine Wohnung. Die Essenz ihrer Praxis entwickelte sich in ihrem Zimmer und meine Praxis in meinem Zimmer, und die Küche war der Ort des Austauschs. Wir tauschten ständig Referenzen, Lektüre, Recherchen usw. aus - es war einfach ein sehr kreativer Moment. Unsere Methoden und Praktiken sind so unterschiedlich, und doch umkreisen sie sich gegenseitig. Wir haben also einen sehr kreativen Bereich. Wir sind sehr, sehr glücklich."
Durch ihre Fotografie von Yasmins bildhauerischen Arbeiten wurde ich zum ersten Mal auf Margaret als Künstlerin aufmerksam. Ich fragte mich, ob es die Disziplin der Fotografie war, die Margaret selbst auf ihre künstlerischen Neigungen aufmerksam machte.
"Ich habe vor allem mit der Fotografie angefangen. Ich habe viel mit Yasmin gearbeitet, für sie fotografiert und experimentiert. Ich wollte einfach nur meine Kreativität ausleben, aber dann wurde [die Fotografie] sehr schnell zu einer Methode, mit der ich konzeptionell arbeiten konnte. Jetzt mache ich fast nur noch das. "
Dann war ich neugierig auf Margarets aktuelle Beziehung zur Fotografie.
"Ich meine, ich fotografiere immer noch manchmal, aber ich habe die Kamera fast ganz verlassen, um mich meiner konzeptionellen Arbeit zu widmen... Ich habe heutzutage eine kompliziertere Beziehung zu Fotos, weil die Welt der Bilder übersättigt ist. Und vielleicht weiß ich auch nicht genau, wie ich in diesem Bereich weitermachen will... Ich liebe es immer noch, hinter der Kamera zu stehen und diese Verbindung zu der Person, die man fotografiert. Das übt einen großen Reiz auf mich aus."
"Instagram hat meine Beziehung zu meinen Fotos definitiv verkompliziert, weil ich in meinen Konzepten viel mit Körpern arbeite - was Nacktheit mit sich bringt - aber Instagram erlaubt keine Nacktheit, und ich habe mich nie wohl dabei gefühlt, meine Bilder dort zu veröffentlichen, wenn sie zensiert waren, weil es nicht zu dem Bild passte, das ich kreierte... Also habe ich angefangen, nach anderen Wegen zu suchen, wie ich mit denselben Ideen arbeiten kann."
Als ich über Instagram und die übersättigte Bilderwelt sprach, fiel mir auf, wie schwer fassbar und zweideutig Margarets Online-Präsenz wirkte, fast schon geheimnisvoll. Ich wollte herausfinden, warum.
"Meine Beziehung zu meiner Online-Präsenz ist turbulent. Mit dem Branding, mit meiner Beziehung zum Verkaufen oder damit, dass ich meine Arbeit nach außen hin präsentiere. Es ist kompliziert. Es ist etwas, mit dem ich in meinem Kopf spiele. Warum ich online nicht offen sein kann, wenn meine Arbeit so offen ist... Aber ich bin auch mitten in diesem großen Projekt, an dem ich seit zwei Jahren arbeite, und ich glaube, ich habe auch das Gefühl, dass es noch nicht bereit ist, geteilt zu werden."
Wir sprachen dann über die Idee, die Arbeit zu teilen, und was das für sie bedeutet.
"Arbeit zu teilen kann oft ein wirklich erfüllender Moment sein. Wenn du sie freigibst und sie nicht mehr dir gehört, bekommst du von anderen Leuten eine Perspektive, die du vorher nicht hattest. Und du kannst vielleicht etwas über deine Arbeit lernen, das dir selbst nicht bewusst war."
"Wenn du Kunst machst, versuchst du, mit etwas in Kontakt zu kommen, das nicht verbal ist. Wenn ich es aussprechen könnte, wäre das wahrscheinlich die Methode, die ich anwenden würde. Aber es ist etwas mehr Intuitives. Und wenn du diese Intuition hast, dann ist Verbindung etwas, das du dir vom Austausch wünschst."
Gibt es bestimmte Gefühle, die du bei den Betrachtern ihrer Arbeit hervorrufen willst? Ich habe gefragt.
"Nein, definitiv nicht. Mich würde jede Art von Gefühl interessieren, die jemand hat. Die Idee ist nicht, dass ich eine bestimmte Reaktion hervorrufen kann. Ich denke, die Vielfalt der Reaktionen ist das Interessante... Was mich immer fasziniert hat, war, dass jemand in seiner Kunst über etwas so Spezielles spricht und es dennoch von verschiedenen Menschen in ihren eigenen Welten so allgemein verstanden wird. Ihren eigenen Welten. Und so wird es zu einer Sache, die größer ist als die Person, die sie macht oder empfängt. Sie wird zu einem Vehikel für den Austausch."
In dieser Interviewreihe haben wir mit vielen Designern und Künstlern gesprochen, die sich selbst als "materialorientiert" bezeichnen. Margarets konzeptgeleitete Praxis steht jedoch im Gegensatz zu dieser Bezeichnung. Ich habe mich gefragt, wie ihre konzeptionelle Arbeit ihren Prozess beeinflusst.
"Ich bin mehr von Ideen motiviert als von einem Prozess oder Material. Ich habe kein spezielles Handwerk; ich bin weder Malerin noch Keramikerin. Mein konzeptioneller Teil ist das Handwerk, schätze ich. Es ist schwierig, weil du nie das Gefühl hast, ein Experte zu sein - aber das ist auch sehr motivierend. Es gibt also diese Dualität, und ich versuche ständig, neue Methoden zu lernen, um die Ideen in meinem Kopf zu entwickeln."
Ich wollte mehr über einige dieser Methoden erfahren und ob es eine gibt, die sie besonders bevorzugt.
"Im Moment mache ich auch ein paar Kerzen. Lebensgroße Kerzen, für eines meiner Stücke. Ich habe auch viel mit Leinwänden gearbeitet. Nicht direkt als Maler, sondern eher konzeptionell... Was mich aber wirklich anzieht, ist die Arbeit mit Ton. Er ist so taktil. In meiner Arbeit geht es oft um die Verbindung zur Körperlichkeit. Wo ist die Grenze zwischen dem "Selbst" und dem Körperlichen - wenn es eine gibt. Die Arbeit mit Ton bringt mich mit meiner eigenen Körperlichkeit in Berührung - was erstaunlich ist... Ich mag auch die Metapher, dass man etwas ins Feuer werfen kann und es dadurch stärker wird. So geht es mir mit dem Leben - man geht durchs Feuer und gewinnt dadurch an Kraft und Einsicht. Und es gibt eine Parallele bei der Arbeit mit Ton."
Bevor wir uns trennten, wollte ich noch mehr über das umfangreiche, zweijährige Projekt erfahren, das Margaret bereits angedeutet hatte.
"Es heißt 19 Frauen. Es besteht aus 19 Stücken, die alle konzeptionell sind... Die 19 Frauen sind wie 19 Versionen von mir... In jedem Menschen gibt es eine Vielzahl von Ichs. Man kann sie als Archetypen bezeichnen oder als Versionen von dir, die entstehen und wieder verschwinden, während du wächst und dich veränderst. Ich kann sie nicht alle kennen, es ist nur die Vorstellung, dass sie alle in meiner Reichweite sind. Und so ist jedes dieser 19 Stücke ein Mittel, um diese Vielfalt des Selbst zu erforschen."
Vielen Dank an Margaret. Ihre Links findest du unten.
Worte & Fotografie von Ewan Waddell.
