Hace poco nos reunimos con el pintor Adam Lupton, recién llegado de Nueva York a la escena cultural de Berlín. El enfoque único de Adam es una especie de interacción entre la pintura, el grabado y la artesanía, por lo que resulta especialmente desgarrador que ahora veas sus obras a través de una pantalla. La experiencia de verlas en persona ofrece un delicioso viaje de texturas, procesos y estilos contenidos en el mismo lienzo al que los píxeles simplemente no hacen justicia. El mes pasado visitamos el estudio de Adam en Moabit y aprendimos del propio artista sobre la evolución de su práctica, la historia de su paleta de colores y su temática introspectiva.
Adam tiene un estilo notablemente definido. Primero sentí curiosidad por saber de dónde procedía.
"Puedo ser un pintor muy perezoso. Siempre me encontraba con partes repetitivas de los cuadros en las que pensaba: 'No quiero pintar todos los árboles... ¿Y si los estampo con un sello de patata? Como hacíamos de niños en la guardería. Así que compré una patata, la tallé e hice este sello de árbol... Lo estampé y me gustó mucho la estética. Me recordó a mi MFA, en el que hacía grabado monotipo: pintas una plancha, la pones debajo de la prensa y la sacas por el otro lado. Las cosas no salen exactamente como las planeas, siempre hay un elemento de azar".
"Ahí es donde empecé a introducirme en el grabado y el monotipo, y hace unos dos años lo trasladé a estas pinturas por transferencia. Ahora empiezo a sentirme cómoda, como si dominara mejor el "lenguaje", entre comillas, de lo que digo o hago".
"Empecé a experimentar con la transferencia de cuadros enteros, y de alguna manera se convirtió en esta estructura que tengo ahora. Como este parte se estampa en este manera y puedo utilizar estos sellos en este manera. Era una especie de desarrollo de esta noción de diferentes tipos de aplicaciones de pintura con la artesanía y el grabado."
La paleta de colores es muy restringida y específica. Quería saber qué historia había aquí.
"Años antes, la gente me decía que mi paleta de colores puede estar desordenada, como colores muy brillantes en un cuadro y colores apagados en otros. Así que me dije a mí misma: 'vale, vamos a limitarnos'. A mí también me gustan mucho los límites. Me encantan los cuadros monocromos y los de gama muy reducida".
"Había una paleta rojo-azul que había utilizado en un par de cuadros y que me había gustado mucho, así que empecé por ahí y no he sentido ninguna necesidad de salirme de ella. Creo que me permite ampliar los límites de lo que pueden hacer estos dos colores y funciona bien con lo que intento transmitir."
Qué son ¿Intentas transmitir? me preguntaba.
"La obra trata mucho de mi ansiedad y mi TOC. La paleta empezó siendo un poco más formal, pero se ha convertido en esta dicotomía emocional de colores: este frío cálido, esta especie de muerte y la ferocidad de la ansiedad. Así que se ha convertido en una especie de contrapunto emocional. Tener sólo estos dos colores crea el nivel de fricción que siento en mi ansiedad e intento transmitirlo a los cuadros".
"Los sellos y las transferencias son muy grandes en esta ansiedad, idea TOC de repetición. Es lo mismo impreso una y otra y otra vez; como el mismo pensamiento que surge una y otra y otra vez."
"La textura y el dibujo también son una parte importante del trabajo. Tomo papel pintado, pinto sobre él y lo imprimo encima. Y la ropa [de los cuadros] será en realidad partes de jerséis que tienen un estampado sobre el que imprimiré. Se trata de utilizar estos materiales del mundo real e introducirlos en la pintura para que todo esté mediado entre el mundo real y el mundo de la pintura, igual que mi realidad está mediada por el TOC".
Me pregunto si la exploración artística de sus tensiones psicológicas le ayuda a superarlas.
"No creo que haya nada demasiado catártico para mí. Quizá empeore el TOC, ¿quién sabe? Es decir, no me alivia necesariamente de lo que hablan estos cuadros, pero lo contrario también es cierto: si no pinto, me siento más ansioso."
Una constante en la obra de Adam parece ser una figura solitaria en sus composiciones. Tenía curiosidad por saber cómo identificaría él esta figura.
"Versiones de mí mismo. Muchas de las obras son claramente personales y surgen de mi TOC o de lo que ocurre en mi vida o mis recuerdos, así que no hay forma de escapar a eso. Pero no son yo. Son partes de mí, supongo. Lo suficientemente distantes como para que no diga: "Oh, esto soy exactamente yo", pero no tanto como para que diga: "Oh, esto es una persona completamente distinta"".
Le pregunté si las escenas eran momentos imaginados o momentos reales y recordados.
"Son ambas cosas. Hay una cita de George Toocker... 'Busco pintar la realidad impresa en la mente con tanta fuerza que vuelva como un sueño, pero no busco pintar los sueños como tales o fantasías'. Así que sí, todos son momentos reales, pero todos son escapes mentales. Algo así como la forma en que tu mente puede tomar un escenario y escaparse con él. Es un escenario real, pero tampoco es real".
A continuación, Adam reflexionó sobre la evolución de su práctica y hacia dónde se dirige ahora.
"Mirando atrás, todo tiene sentido. Puedo ver cómo todo me ha llevado hasta donde estoy ahora. Esta serie es mucho más tranquila y poética. Por aquel entonces, no podía saber que en un par de años estaría haciendo esto, así que no tengo ni idea de adónde me va a llevar, pero, una vez allí, estoy seguro de que diré: 'Oh, sí, era obvio'. Espero expandirme y crecer, y quiero experimentar más y encontrar ideas de lo que se podría hacer, sólo que aún no sé cómo llegar hasta ahí. Pero ahora mismo, estoy muy contenta con esto".
Gracias a Adam. Puedes encontrar sus enlaces a continuación.
Instagram -- Galería Russi Klenner
Texto Ewan Waddell.
Fotografía Ewan Waddell.
