Récemment, nous avons rencontré le peintre Adam Lupton, une nouvelle importation de la scène culturelle berlinoise en provenance de New York. L'approche unique d'Adam est en quelque sorte une interaction entre la peinture, la gravure et l'artisanat – c'est pourquoi il est particulièrement navrant de voir maintenant ses œuvres à travers un écran. L'expérience visuelle en personne offre un délicieux voyage de textures, de processus et de styles contenus dans le même canevas auquel les pixels ne rendent tout simplement pas justice. Le mois dernier, nous avons visité le studio Moabit d'Adam et avons appris de l'artiste lui-même l'évolution de sa pratique, l'histoire de sa palette de couleurs et son sujet introspectif.
Adam a un style particulièrement défini. J'étais d'abord curieux de savoir d'où cela venait.
«Je peux être un peintre très paresseux. Je tombais sans arrêt sur des parties répétitives de peintures où je me disais : « Je ne veux pas peindre chaque arbre... Et si je les tamponnais simplement avec un tampon de pomme de terre ? Comme nous le faisions quand nous étions enfants à la maternelle. J'ai donc acheté une pomme de terre, je l'ai sculptée et j'ai fait ce tampon d'arbre… Je l'ai tamponné et j'ai vraiment aimé l'esthétique. Cela m'a ramené à mon MFA où je faisais de la gravure monotype : vous peignez une plaque, la placez sous la presse et la retirez de l'autre côté. Les choses ne se déroulent pas exactement comme on l’aurait prévu : il y a toujours une part de hasard. »
« C'est là que j'ai commencé à me lancer dans la gravure et le monotypage, et il y a environ deux ans, j'ai intégré cela dans ces peintures par transfert. Cela commence maintenant à se sentir à l'aise ; comme si j'avais une meilleure compréhension du « langage » entre guillemets de ce que je dis ou de ce que je fais.
« J’ai commencé à expérimenter le transfert de peintures entières, et cela s’est en quelque sorte développé jusqu’à devenir cette structure que j’ai maintenant. Par exemple, cette partie est estampillée de cette façon et je peux utiliser ces tampons de cette façon. Il s’agissait en quelque sorte de développer cette notion de différents types d’applications de peinture avec l’artisanat et la gravure.
La palette de couleurs est très restreinte et spécifique. Je voulais savoir quelle était l'histoire ici.
« Des années auparavant, les gens me disaient que ma palette de couleurs pouvait être partout – comme des couleurs très vives dans un tableau et des couleurs sourdes dans d’autres tableaux. Et donc je me suis dit « ok, limitons-nous vraiment ». Je suis aussi quelqu'un qui aime vraiment les limites. J’adore les peintures monochromes et les peintures de très petite valeur.
« Et donc il y avait cette palette rouge-bleu que j'avais utilisée dans quelques tableaux et je l'ai vraiment appréciée – donc tout a commencé là, et je n'ai ressenti aucun besoin de sortir de là. Je pense que cela me permet de repousser les limites de ce que ces deux couleurs peuvent faire et cela fonctionne bien avec ce que j'essaie de transmettre.
Qu’essayez - vous de transmettre ? Je me demandais.
« Le travail traite beaucoup de mon anxiété et de mes TOC. La palette a commencé de manière un peu plus formelle, mais elle s'est en quelque sorte développée vers cette dichotomie émotionnelle de couleurs ; ce froid chaud, cette sorte de mort et la fougue de l'anxiété. Cela s'est donc en quelque sorte développé vers ces contrepoints émotionnels les uns sur les autres. Le fait de n’avoir que ces deux couleurs crée le niveau de friction que je ressens dans mon anxiété et que j’essaie ensuite de traduire dans mes peintures.
« Les tampons et les transferts sont très gros dans cette anxiété, ce TOC idée de répétition. C'est la même chose imprimée encore et encore ; comme la même pensée qui revient encore et encore.
« La texture et le motif constituent également une grande partie du travail. Je vais prendre du papier peint, peindre dessus et imprimer le papier peint dessus. Et les vêtements [dans les peintures] proviendront en fait de parties de pulls qui portent un motif sur lequel j'imprimerai. Il s'agit donc d'utiliser ces matériaux du monde réel et de les intégrer dans la peinture afin que tout soit médiatisé entre le monde réel et le monde de la peinture – tout comme ma réalité est médiatisée par le TOC.
Je me demandais si l'exploration artistique de ses tensions psychologiques était utile pour les accepter.
« Je ne pense pas qu'il y ait quelque chose de trop cathartique pour moi. Peut-être que cela aggrave le TOC, qui sait ? Je veux dire, je ne suis pas nécessairement soulagé par ce dont parlent ces peintures, mais le contraire est également vrai : si je ne peins pas, je me sens plus anxieux.
Une cohérence dans le travail d'Adam semble être une figure isolée dans ses compositions. J'étais curieux de savoir comment il allait identifier ce personnage.
« Des versions de moi-même. Une grande partie du travail est clairement personnelle et découle de mes TOC ou de ce qui se passe dans ma vie ou de mes souvenirs, il n'y a donc aucun moyen d'y échapper. Mais ce n'est pas moi. Ils font partie de moi, je suppose. Juste assez loin pour ne pas me dire « Oh, c'est exactement moi », mais pas si loin que je me dis « Oh, c'est une personne complètement autre ».
J'ai demandé si les scènes étaient des moments imaginés ou des moments réels dont on se souvient.
« Ils sont tous les deux. Il y a une citation de George Toocker… « Je cherche à peindre la réalité si fortement gravée dans l'esprit qu'elle revient sous forme de rêve, mais je ne cherche pas à peindre des rêves en tant que tels ou de la fantaisie ». Alors oui, ce sont tous des moments réels, mais ce sont tous des évasions mentales. Un peu comme la façon dont votre esprit peut prendre un scénario et s’enfuir avec. C'est un scénario réel, mais ce n'est pas réel non plus.
Adam a ensuite réfléchi à l'évolution de sa pratique et à la direction qu'il prend désormais.
« Avec le recul, tout cela a du sens. Je peux voir comment tout m’a mené là où je suis maintenant. Cette série est beaucoup plus calme et poétique. À l'époque, je n'aurais pas pu savoir que dans quelques années je ferais ça, donc je n'ai aucune idée d'où cela va mener, mais, une fois que j'y serai, je suis sûr que je serai comme ' Oh ouais, c'était évident'. J'espère que je vais m'étendre et grandir, et je veux expérimenter davantage et trouver des idées sur ce qui pourrait être fait, je ne sais tout simplement pas encore comment y arriver. Mais pour l’instant, j’en suis vraiment content.
Merci à Adam. Vous pouvez trouver ses liens ci-dessous.
Instagram -- Galerie Russi Klenner
Paroles d’ Ewan Waddell .
Photographie d' Ewan Waddell .
