De la sculpture avec de l'argile à la fabrication de bougies grandeur nature en passant par le traçage de sa propre forme sur des toiles géantes, l'artiste Margaret FlatleyLes méthodes de l'artiste Margaret Flatley sont aussi sinueuses et fascinantes que la conversation que j'ai eu le plaisir d'avoir avec elle autour d'un thé vert la semaine dernière. Dans son studio de Kreuzberg, par une matinée berlinoise classique et bruineuse (si ma mémoire est bonne), Margaret a eu la gentillesse de me faire visiter son studio et son esprit pendant que nous discutions de son ouverture à l'exploration de nouvelles méthodologies, de sa relation à la photographie et de son approche conceptuelle de la pratique.
Nous avons d'abord parlé de la compulsion de Margaret à explorer au-delà de ses racines.
"J'ai grandi au Canada, mais je suis partie à 17 ans pour aller à l'université et je n'y suis jamais retournée. Je suis la première génération à être née au Canada, alors c'est peut-être pour cela que je n'avais pas de liens profonds avec le pays... Depuis très jeune, j'avais envie de changer d'environnement."
J'étais curieuse de savoir comment elle avait cherché à changer d'environnement.
"Je suis allée en France pendant un an... J'étais dans le sud de la France, j'apprenais le français et j'étudiais l'histoire de l'art. C'est là que tout a commencé à se mettre en place... J'ai établi une connexion très forte avec quelqu'un qui est encore aujourd'hui une amie proche et un mentor. C'était une universitaire - qui rédigeait déjà son doctorat à l'époque - et elle m'a invitée dans son monde. Grâce à elle, j'ai été entourée de toutes sortes de personnes, ce qui m'a permis d'accéder à une vision différente de la vie. Comment je pouvais vivre une vie en dehors de celle que j'étais... Après être retournée et avoir terminé mon diplôme aux États-Unis, j'ai déménagé à New York pour recréer quelque chose comme ça pour moi."
Je me suis demandé ce qu'elle avait trouvé là-bas.
"À New York, j'ai tout de suite commencé à travailler dans la mode. J'ai commencé à travailler dans un showroom qui s'est rapidement transformé en travail pour une marque de vêtements pour hommes. Cela s'est produit au cours des trois premières années et demie. Ensuite, je suis allée à Stockholm et je travaillais pour Acne."
Aujourd'hui, le travail de Margaret est assez éloigné du monde de la mode. Je me suis intéressée à ce qui l'a guidée vers cet éloignement.
"Je pensais que la mode serait un excellent moyen pour moi d'être créative et employée. Mais ce n'était pas ce qui me convenait... J'étais aussi plus dans une capacité de gestion que dans le design, ce qui était génial, mais je ne créais pas quelque chose moi-même."
Nous avons ensuite parlé de notre connexion mutuelle, Yasmin, par l'intermédiaire de laquelle j'ai rencontré Margaret lorsque j'ai déjà visité leur studio commun l'été dernier pour. une interview sur le travail fascinant de Yasmin avec le béton de chanvre.. Margaret et moi avons parlé de ce que c'était de travailler ensemble avec Yasmin après leur première rencontre à Acne Studios il y a toutes ces années.
"Yasmin et moi avions cette relation de travail très compétente où nous pouvions en quelque sorte prédire les besoins de l'autre et combler les lacunes dans les domaines où nous avions besoin d'aide. Nous avons quitté Acne à quelques mois d'intervalle. Nous ne savions pas ce que à l'époque, mais nous voulions commencer quelque chose qui nous appartienne."
Ils ont peut-être décidé que le monde de la mode à Stockholm n'était pas fait pour eux, cependant, la relation artistique fluide qu'ils ont forgée en Suède est restée très vivante lorsqu'ils ont ensuite déménagé ensemble à Berlin.
"Nous étions des amis très proches et nous avons donc partagé un appartement. L'essentiel de sa pratique se développait dans sa chambre et ma pratique dans ma chambre, et la cuisine était ce lieu d'échange. Nous partagions constamment des références, des lectures, des recherches, etc - c'était juste un moment vraiment créatif. Nos méthodologies et nos pratiques sont si différentes, et pourtant elles s'entourent les unes les autres. C'était un moment vraiment créatif. Nos méthodologies et nos pratiques sont si différentes et pourtant elles se complètent. Nous avons beaucoup, beaucoup de chance."
C'est en photographiant l'œuvre sculpturale de Yasmin que j'ai pris conscience de Margaret en tant qu'artiste. Je me suis demandé si c'était la discipline de la photographie qui avait permis à Margaret elle-même de prendre conscience de ses penchants artistiques.
"J'ai commencé par la photographie principalement. Je travaillais beaucoup avec Yasmin, je prenais des photos pour elle et j'expérimentais. C'était juste moi qui entrais dans ma créativité, mais ensuite [la photographie] est très vite devenue une méthode pour moi de travailler de manière conceptuelle. Maintenant, c'est presque entièrement ce que je fais. "
J'étais alors curieuse de connaître la relation actuelle de Margaret avec la photographie.
" Je veux dire, il m'arrive encore de prendre des photos, mais j'ai presque entièrement quitté l'appareil photo pour me consacrer à mon travail conceptuel... J'ai une relation plus compliquée avec les photos de nos jours, car tout est sursaturé dans le monde de l'image. Et peut-être que je ne sais pas exactement comment je veux continuer dans ce domaine... J'aime toujours être derrière l'appareil photo et cette connexion avec la personne que vous photographiez. Il y a beaucoup d'attrait pour moi là-dedans."
"Instagram a définitivement compliqué ma relation avec mes photos parce que je travaille beaucoup avec des corps dans mes concepts - ce qui vient avec la nudité - mais Instagram ne permet pas la nudité, et je ne me suis jamais sentie à l'aise de mettre mes images en avant quand elles étaient censurées parce que ce n'était pas fidèle à l'image que je créais... Et donc je suppose que j'ai commencé à chercher d'autres moyens par lesquels je pouvais travailler avec ces mêmes idées."
En parlant d'Instagram, et du monde sursaturé d'images, j'ai noté à quel point la présence en ligne de Margaret semblait insaisissable et ambiguë ; à la limite du mystérieux. J'ai voulu enquêter sur les raisons de ce phénomène.
"Ma relation avec ma présence en ligne est tumultueuse. Avec l'image de marque, avec ma relation à la vente, ou avec le fait de mettre en avant ce que je fais. C'est compliqué. C'est quelque chose avec lequel je joue, dans mon esprit. Pourquoi je ne peux pas être ouverte en ligne alors que mon travail est si profondément ouvert... Mais je suis aussi au milieu de ce grand projet sur lequel je travaille depuis deux ans, et donc je pense qu'il y a aussi ce sentiment de 'ce n'est pas prêt à être partagé'."
Nous avons ensuite parlé de cette idée de partage du travail, et de ce que cela signifie pour elle.
"Le partage du travail peut souvent être un moment très épanouissant. C'est toujours lorsque tu le libères et qu'il ne t'appartient plus que tu obtiens d'autres personnes un point de vue que tu n'avais pas auparavant. Et tu peux peut-être apprendre quelque chose sur ce que tu faisais dont tu n'étais même pas conscient toi-même."
"Quand tu fais de l'art, tu essaies d'entrer en contact avec quelque chose qui n'est pas verbal. Si je pouvais le parler, alors ce serait probablement la méthode que j'utiliserais. Mais c'est quelque chose de plus intuitif. Et quand tu as cette chose intuitive, alors la connexion est quelque chose que tu veux du partage."
Y a-t-il des sentiments particuliers que tu cherches à susciter chez les spectateurs de ses œuvres ? J'ai demandé .
"Non, certainement pas. Ce qui m'intéresse, c'est que quelqu'un ressente quelque chose. L'idée n'est pas de susciter une certaine réaction. La diversité des réponses est ce qui est intéressant, je pense... Ce qui m'a toujours vraiment amusé, c'est que quelqu'un puisse parler de quelque chose de si spécifique dans son art et que cela soit pourtant compris de façon si commune par différents individus dans leurs propres mondes. Leurs propres domaines. C'est ainsi que cela devient une chose plus grande que la personne qui la fabrique ou la reçoit. Cela devient un véhicule d'échange."
Dans le cadre de cette série d'entretiens, nous avons parlé à de nombreux designers et artistes qui s'identifient comme étant "guidés par les matériaux". La pratique de Margaret, guidée par des concepts, semble presque antithétique à cette étiquette. Je me suis demandé comment le fait de travailler de manière aussi conceptuelle influençait son processus.
"Plus que vers un processus ou un matériau, je suis très motivée par les idées. Je n'ai pas de métier spécifique à mon travail ; je ne suis pas peintre, je ne suis pas céramiste. Ma partie conceptuelle serait l'artisanat, je suppose. Il y a une certaine lutte dans le sens où tu n'as jamais l'impression d'être un expert en quoi que ce soit - mais c'est aussi très motivant. Il y a donc cette dualité, et j'essaie constamment d'apprendre de nouvelles méthodologies afin de construire les idées que j'ai en tête."
J'ai donc voulu en savoir plus sur certaines de ces méthodologies, et s'il y en avait une en particulier qu'elle privilégiait par rapport à d'autres.
"En ce moment, je fabrique aussi des bougies. Des bougies grandeur nature, pour l'une de mes pièces. J'ai aussi beaucoup travaillé avec des toiles. Pas directement comme un peintre, mais des toiles plus conceptuelles... Celle qui m'attire vraiment, cependant, c'est de travailler avec de l'argile. C'est tellement tactile. Et une grande partie de mon travail porte sur la connexion avec la physicalité. Où se trouve la limite entre le "moi" et le physique - s'il y en a un. Travailler avec l'argile me fait entrer dans ma propre physicalité - ce qui est extraordinaire... J'aime aussi la métaphore selon laquelle vous pouvez mettre quelque chose dans le feu et il devient plus fort. C'est ce que je ressens dans la vie - tu te soumets au feu et c'est ainsi que tu gagnes en force et en perspicacité. Et il y a quelque chose de parallèle dans le travail avec l'argile."
Avant de nous séparer, j'ai voulu en savoir plus sur ce projet expansif de deux ans que Margaret avait évoqué plus tôt.
"Il s'appelle 19 Femmes. Il s'agit de 19 pièces qui sont toutes conceptuelles... Les 19 femmes sont comme 19 versions de moi... À l'intérieur de chacun, il y a une multitude de soi. Tu peux parler d'archétypes ou de versions de toi qui naissent puis s'effacent au fur et à mesure que tu grandis et que tu changes. Je ne peux pas tous les connaître, c'est juste cette idée qu'ils sont tous à ma portée. Et donc chacune de ces 19 pièces, est un véhicule pour enquêter sur cette multitude du moi."
Merci beaucoup à Margaret. Tu peux retrouver ses liens ci-dessous.
Paroles et photographie par Ewan Waddell.
