Recientemente nos encontramos con el pintor Adam Lupton, una nueva importancia a la escena cultural de Berlín de Nueva York. El enfoque único de Adam es una especie de interacción entre la pintura, el grabado y la artesanía, por lo que es particularmente desgarrador que ahora esté viendo sus obras a través de una pantalla. La experiencia de visualización en persona ofrece un delicioso viaje de texturas, procesos y estilos contenidos dentro del mismo lienzo que los píxeles simplemente no hacen justicia. El mes pasado, realizamos una visita al estudio Moabit de Adam y aprendimos del propio artista sobre la evolución de su práctica, la historia de su paleta de colores y su tema introspectivo.
Adam tiene un estilo notablemente definido. Primero tenía curiosidad por saber de dónde vino esto.
“Puedo ser un pintor muy perezoso. Seguí encontrando partes repetitivas de pinturas donde decía: "No quiero pintar cada árbol ... Entonces, ¿qué pasa si las sello con un sello de papa?" Como lo hicimos como niños en el jardín de infantes. Así que compré una papa e tallé en ella e hice este sello de árbol ... lo estampé y realmente me gustó la estética. Me trajo de vuelta a mi MFA, donde estaba haciendo grabado de monotipo: pintas un plato, lo pones debajo de la prensa y lo sacas del otro lado. Las cosas no salen exactamente como planearía: siempre hay un elemento de azar involucrado ".
"Ahí es donde comencé a entrar en el grabado y el monotipado, y hace unos dos años lo llevé a estas pinturas de transferencia. Está comenzando ahora a sentirse cómodo; Como si tuviera una mejor comprensión de la cita "lenguaje" de lo que estoy diciendo o lo que estoy haciendo ".
“Comencé a experimentar con la transferencia de pinturas enteras, y simplemente creció en esta estructura que tengo ahora. Como, este Parte se estampa en este camino y puedo usar estos estampas este forma. Estaba desarrollando esta noción de diferentes tipos de aplicaciones de pintura con artesanía y grabado ".
La paleta de colores es muy restringida y específica. Quería saber cuál era la historia aquí.
“Años antes, la gente me dijo que mi paleta de colores puede estar por todas partes, como colores realmente brillantes en una pintura y colores apagados en otras pinturas. Y entonces me dije como "OK, realmente nos limitemos". Soy alguien a quien realmente le gustan los límites también. Me encantan las pinturas monocromáticas y las pinturas de rango de valor muy pequeño ".
"Y así había una paleta azul roja que había usado en un par de pinturas y realmente la disfruté, por lo que comenzó allí, y no he sentido ninguna necesidad de empujar fuera de ella". Creo que me permite empujar los límites de lo que pueden hacer estos dos colores y funciona bien con lo que estoy tratando de transmitir ".
Qué son ¿Estás tratando de transmitir? Me preguntaba.
“El trabajo trata mucho con mi ansiedad y mi TOC. La paleta comenzó un poco más formalmente, pero se ha convertido en esta dicotomía emocional de colores; Este calor cálido, este tipo de muerte y la ferilidad de la ansiedad. Por lo tanto, se ha convertido en estos contrapuntos emocionales entre sí. Tener solo estos dos colores crea el nivel de fricción que siento en mi ansiedad y luego trato de traer en las pinturas ".
“Los sellos y las transferencias son muy grandes en esta ansiedad, idea de repetición de TOC. Es lo mismo impreso una y otra vez; Como el mismo pensamiento que aparece una y otra vez.
“La textura y el patrón también son una gran parte del trabajo. Tomaré papel tapiz y pintaré e imprimiré el fondo de pantalla. Y la ropa [en las pinturas] en realidad será de partes de los suéteres que tienen un patrón sobre ellos que imprimiré. Por lo tanto, está usando estos materiales del mundo real y llevándolos a la pintura para que todo esté mediado entre el mundo real y el mundo de la pintura, al igual que mi realidad está mediada por el TOC ".
Me preguntaba si la exploración artística de sus tensiones psicológicas es útil para llegar a un acuerdo con ellas.
"No creo que haya nada demasiado catártico para mí. Tal vez empeora el TOC, ¿quién sabe? Quiero decir, no necesariamente obtengo alivio de lo que estas pinturas están hablando, pero lo contrario también es cierto: si no estoy pintando, me siento más ansioso ".
Una consistencia en el trabajo de Adam parece ser una figura solitaria en sus composiciones. Tenía curiosidad por saber cómo identificaría esta figura.
“Versiones de mí mismo. Gran parte del trabajo claramente es personal y sale de mi TOC o lo que está sucediendo en mi vida o recuerdos, por lo que no hay forma de escapar de eso. Pero no soy yo. Son partes de mí, supongo. Lo suficientemente distante donde no estoy como "oh, este soy exactamente yo", pero no tan lejos que estoy como "oh, esta es una persona completamente otra".
Le pregunté si las escenas eran momentos imaginados, o momentos reales y recordados.
"Son ambos. Hay una cita de George Toocker ... "Estoy después de pintar la realidad impresionada en la mente tan fuerte que regresa como un sueño, pero no estoy después de pintar sueños como tal o fantasía". Entonces sí, todos son momentos reales, pero todos son escapes mentales. Algo así como su mente puede tomar un escenario y simplemente huir con él. Es un escenario real, pero tampoco es real ".
Adam luego reflexionó sobre la evolución de su práctica y hacia dónde se dirige ahora.
“Mirando hacia atrás, todo tiene sentido. Puedo ver cómo todo condujo a donde estoy ahora. Esta serie es mucho más tranquila y poética. En aquel entonces, no podría haber sabido que en un par de años estaría haciendo esto, así que no tengo idea de a dónde va a conducir, pero, una vez que estoy allí, estoy seguro de que estaré como ' Oh sí, eso era obvio '. Espero estar expandiéndose y creciendo, y quiero experimentar más y encontrar ideas de lo que se podría hacer, simplemente no sé cómo hacerlo allí todavía. Pero en este momento, estoy muy feliz con esto ".
Gracias a Adam. Puedes encontrar sus enlaces a continuación.
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Palabras por Ewan Waddell.
Fotografía por Ewan Waddell.
