De la sculpture avec de l'argile à la fabrication de bougies grandeur nature en passant par le tracé de sa propre forme sur des toiles géantes, les méthodes de l'artiste Margaret Flatley sont aussi sinueuses et convaincantes que la conversation que j'ai eu le plaisir d'avoir avec elle autour d'un thé vert la semaine dernière. Dans son studio de Kreuzberg, un matin (si ma mémoire est bonne) berlinoise classiquement pluvieux, Margaret a eu la gentillesse de me faire visiter son studio et son esprit pendant que nous discutions de son ouverture à l'exploration de nouvelles méthodologies, de sa relation avec la photographie et de sa conception conceptuelle. approche guidée de la pratique.
Nous avons d'abord parlé de la volonté de Margaret d'explorer au-delà de ses racines.
« J'ai grandi au Canada, mais je l'ai quitté à 17 ans pour aller à l'université et je n'y suis pas retourné. Je suis la première génération à être née au Canada, c'est peut-être pour cela qu'il n'y avait pas de lien profond avec le pays… Depuis mon plus jeune âge, j'avais envie de changer d'environnement.
J'étais curieux de savoir comment elle recherchait ce changement d'environnement.
« Je suis allée en France pendant un an… J'étais dans le sud de la France, j'apprenais le français et j'étudiais l'histoire de l'art. C'est là que tout a commencé à prendre forme… J'ai noué un lien très fort avec quelqu'un qui est encore aujourd'hui un ami proche et un mentor. Elle était universitaire – elle rédigeait déjà son doctorat à l’époque – et elle m’a invité dans son monde. Grâce à elle, j'ai été entouré de toutes sortes de personnes, ce qui m'a donné accès à cette vision différente de ce que pouvait être la vie. Comment pourrais-je vivre une vie en dehors de celle que j’étais… Après mon retour et avoir obtenu mon diplôme aux États-Unis, j’ai déménagé à New York pour recréer quelque chose comme ça pour moi-même.
Je me demandais ce qu'elle avait trouvé là-bas.
« À New York, j’ai tout de suite commencé à travailler dans la mode. J'ai commencé à travailler dans un showroom, puis j'ai rapidement évolué vers une marque de vêtements pour hommes. Cela s’est produit au cours des trois premières années et demie. Et puis je suis allé à Stockholm et j’ai travaillé pour Acne.
Le travail de Margaret est aujourd'hui assez éloigné du monde de la mode. J'étais intéressé par ce qui l'avait guidée.
«Je pensais que la mode serait un excellent moyen d'être créatif et d'avoir un emploi. Mais ce n'était pas la bonne solution pour moi… J'étais aussi plus dans la gestion que dans le design, ce qui était génial, mais je ne créais pas quelque chose moi-même.
Nous avons ensuite parlé de notre connexion mutuelle, Yasmin, par l'intermédiaire de laquelle j'ai rencontré Margaret lors de ma visite dans leur studio commun l'été dernier pour une interview sur le travail fascinant de Yasmin avec le béton de chanvre . Margaret et moi avons parlé de ce que c'était que de travailler avec Yasmin après leur première rencontre à Acne Studios il y a toutes ces années.
« Yasmin et moi avions cette relation de travail très efficace où nous pouvions en quelque sorte prédire les besoins de chacun et répondre aux besoins d'aide de chacun. Nous avons quitté Acne à quelques mois d’intervalle. Nous ne savions pas quoi à l’époque, mais nous voulions créer quelque chose qui nous appartiendrait.
Ils ont peut-être décidé que le monde de la mode à Stockholm n'était pas pour eux, mais la relation artistique fluide qu'ils ont nouée en Suède est restée bien vivante lorsqu'ils ont ensuite déménagé ensemble à Berlin.
« Nous étions des amis très proches et nous partagions donc un appartement. L'essentiel de sa pratique s'est développé dans sa chambre et ma pratique dans ma chambre, et la cuisine était ce lieu d'échange. Nous partagions constamment des références, des lectures, des recherches, etc. — c'était juste un moment vraiment créatif. Nos méthodologies et nos pratiques sont si différentes, et pourtant elles s’entourent. Et donc c’est juste ce domaine très créatif que nous avons. Nous sommes tellement chanceux.
C'est grâce à ses photographies du travail sculptural de Yasmin que j'ai découvert Margaret en tant qu'artiste pour la première fois. Je me demandais si c'était la discipline de la photographie qui avait fait prendre conscience à Margaret elle-même de ses penchants artistiques.
« J’ai commencé par la photographie principalement. Je travaillais beaucoup avec Yasmin, je prenais des photos pour elle et j'expérimentais. C'était juste pour moi que je me lançais dans ma créativité, mais ensuite [la photographie] est très vite devenue une méthode pour moi de travailler conceptuellement. Maintenant, c'est presque entièrement ce que je fais. "
J'étais alors curieux de connaître la relation actuelle de Margaret avec la photographie.
« Je veux dire, je prends encore des photos parfois, mais j'ai presque entièrement abandonné l'appareil photo pour me lancer dans mon travail conceptuel… J'ai un rapport plus compliqué avec la photo ces jours-ci car tout est sursaturé dans le monde des images. Et peut-être que je ne sais pas exactement comment je veux continuer dans ce domaine… J'aime toujours être derrière l'appareil photo et cette connexion avec la personne que vous photographiez. Il y a beaucoup d’attrait pour moi là-bas.
"Instagram a définitivement compliqué ma relation avec mes photos parce que je travaille beaucoup avec les corps dans mes concepts - ce qui vient avec la nudité - mais Instagram n'autorise pas la nudité, et je ne me suis jamais senti à l'aise de publier mes images lorsqu'elles étaient censurées parce que cela n'était pas fidèle à l'image que je créais… Et donc j'imagine que j'ai commencé à chercher d'autres façons de travailler avec ces mêmes idées.
En parlant d'Instagram et du monde sursaturé des images, j'ai remarqué à quel point la présence en ligne de Margaret était insaisissable et ambiguë ; à la limite du mystérieux. Je voulais savoir pourquoi.
« Ma relation avec ma présence en ligne est tumultueuse. Avec l'image de marque, avec ma relation avec la vente ou avec la présentation de ce que je fais. C'est compliqué. C'est quelque chose avec lequel je joue, dans mon esprit. Pourquoi je ne peux pas être ouvert en ligne alors que mon travail est si profondément ouvert… Mais je suis aussi au milieu de ce grand projet sur lequel je travaille depuis deux ans, et donc je pense qu'il y a aussi ce sentiment de « ce n'est pas prêt à être partagé.
Nous avons ensuite parlé de cette idée de partage du travail et de ce que cela signifie pour elle.
« Partager le travail peut souvent être un moment très enrichissant. C'est toujours lorsque vous le publiez et qu'il ne vous appartient plus que vous obtenez un point de vue d'autres personnes que vous n'aviez pas auparavant. Et vous pourrez peut-être apprendre quelque chose sur ce que vous faisiez dont vous n'aviez même pas conscience vous-même.
« Lorsque vous faites de l'art, vous essayez d'entrer en contact avec quelque chose qui n'est pas verbal. Si je pouvais le parler, ce serait probablement la méthode que j'utiliserais. Mais c'est quelque chose de plus intuitif. Et lorsque vous disposez de cette chose intuitive, alors la connexion est quelque chose que vous souhaitez partager.
Cherchez-vous à susciter des sentiments particuliers chez les spectateurs de son travail ? J'ai demandé.
"Non, absolument pas. Je serais intéressé par tout ce que quelqu'un ressent. L’idée n’est pas que je puisse susciter une certaine réponse. La diversité des réponses est ce qui est intéressant, je pense… Ce qui m'a toujours vraiment chatouillé, c'est que quelqu'un puisse parler de quelque chose de si spécifique dans son art et pourtant cela était si communément compris par différents individus dans leur propre monde. Leurs propres royaumes. Et ainsi, cette chose devient plus grande que la personne qui la fabrique ou la reçoit. Cela devient un véhicule d’échange.
À travers cette série d'entretiens, nous avons parlé à de nombreux designers et artistes qui s'identifient comme étant « axés sur la matière ». La pratique guidée par les concepts de Margaret semble cependant presque antithétique à cette étiquette. Je me demandais comment un travail aussi conceptuel influence son processus.
« Plus que pour n'importe quel processus ou matériau, je suis très motivé par les idées. Je n'ai pas de métier spécifique à mon travail ; Je ne suis pas peintre, je ne suis pas céramiste. Ma partie conceptuelle serait l'artisanat, je suppose. Il y a une certaine difficulté dans le sens où vous n’avez jamais l’impression d’être un expert en quoi que ce soit – mais c’est aussi très motivant. Il y a donc cette dualité, et j'essaie constamment d'apprendre de nouvelles méthodologies afin de construire les idées dans mon esprit.
J'ai ensuite voulu en savoir plus sur certaines de ces méthodologies, et s'il y en avait une en particulier, elle la privilégie par rapport aux autres.
« En ce moment, je fabrique aussi des bougies. Des bougies grandeur nature, pour une de mes pièces. J'ai aussi beaucoup travaillé avec des toiles. Pas directement en tant que peintre, mais des toiles plus conceptuelles… Mais celle qui m'attire vraiment, c'est le travail de l'argile. C'est tellement tactile. Et une grande partie de mon travail porte sur la connexion avec le physique. Là où se situe la frontière entre le « soi » et le physique – s’il y en a un. Travailler avec de l'argile me fait entrer dans ma propre physicalité – ce qui est incroyable… J'aime aussi la métaphore selon laquelle on peut mettre quelque chose dans le feu et cela devient plus fort. C'est ce que je ressens à propos de la vie : vous vous exposez au feu et c'est ainsi que vous gagnez en force et en perspicacité. Et il y a quelque chose de parallèle dans le travail de l'argile.
Avant de me séparer, je voulais en savoir plus sur ce vaste projet de deux ans dont Margaret avait parlé plus tôt.
«Ça s'appelle 19 femmes . Ce sont 19 pièces qui sont toutes conceptuelles… Les 19 femmes sont comme 19 versions de moi… En chacun, il y a une multitude de moi. Vous pouvez parler d’archétypes, ou vous pouvez dire de versions de vous qui naissent puis disparaissent à mesure que vous grandissez et changez. Je ne peux pas tous les connaître, c'est juste cette idée qu'ils sont tous à ma portée. Et donc chacune de ces 19 pièces est un véhicule pour enquêter sur cette multitude de soi.
Merci beaucoup à Marguerite. Vous pouvez trouver ses liens ci-dessous.
Mots et photographie par Ewan Waddell .
